董其昌

中国画在宋元后进入了“写意”阶段，强调“表达个性”（写胸中逸气），导致了画作的高度趋同，这源于画家的个性被传统和程式的强大框架所“驯化”。

1.个性被“笔墨程式”锁死（技法限制）

徐渭

文人画追求的个性，主要体现在笔墨的精微变化上。但笔墨技法一旦成熟，就会被固化为某种程式（如各种皴法、竹谱、梅谱）。

画家必须在既定的程式框架内寻找差异。程式原本是经验总结，最终却变成了创作的规范和标准答案。 

2.传统的“师古”压倒了创新（文化压力）

倪瓒

文人画高度推崇“古意”和“师古人”。这使得模仿和继承的优先级高于了形式上的自我突破。

历代画家都致力于复制和致敬古代大师的笔墨语言和构图模式，以使他们在艺术谱系中获得认可。 于是“个性”变成了对古人精神的再诠释，而不是对外部世界的全新表达，导致了文人画的内容和构图的高度重复。

3.审美标准过于单一（精神趋同）

郑板桥

文人画的个性追求的是服务于一种高度统一的、精英式的审美标准——“逸格”。

所有人都在努力表达“高雅孤寂、超然物外、萧疏简淡”的逸气，这种精神追求是内向和相似的。

为了表现“逸格”，题材被局限在梅兰竹菊、简淡山水等少数高洁之物之中，导致画面元素和意境的高度统一。

所以，中国画的雷同并非因为画家不努力，而是因为他们是在一个封闭且严格的审美体系之内寻找“个性”的微小差异。